艺术的发展伴随整个人类文明进程，在形态和观念上不断变化，经历了从技艺的艺术到庙堂的艺术，再到审美的艺术和生活的艺术的过程。在现代艺术观念产生前，艺术泛指人类从事的各类技艺。
在古代等级社会中，这些技艺常被分等。
自由艺术源自古希腊、古罗马和欧洲中世纪上层阶级的学习研究活动，一般包括文法、逻辑、修辞、算数、几何、天文和音律七种学问。其一词至今仍在使用，指大学本科通识教育，译“博雅（教育）”。
欧洲中世纪学者将生产劳动和谋生技艺归入机械艺术、奴隶艺术。为与“自由七艺”对称，发明“机械七艺”，但具体七艺因人而异。12世纪圣维克多·于格将其分为纺织、军备、商贸、农业、狩猎、医学和戏剧表演七类，也有人将冶金、金属工艺、航海、音乐表演等列入。
文艺复兴以来的欧洲，出现“美的艺术”（fine arts）现代艺术观念。1746年法国学者夏尔·巴托在《归结为同一原理的美的艺术》中明确界定“美的艺术”（Beaux-Arts），将诗歌、音乐、舞蹈、绘画、雕塑等归入。这些技艺原本多是工匠、优伶之能事，被纳入后与“自由艺术”平起平坐。电影出现后，有人将建筑、绘画、雕塑、诗歌、音乐、舞蹈和电影称为“美的艺术”。进入20世纪，复数的“美的艺术”逐渐缩略为复数的“艺术”（arts），指各门类艺术；单数的“美术”（fine art）特指造型艺术。
劳心劳力的区分一直延伸到近代艺术观念中。欧洲文艺复兴时期，达芬奇和米开朗琪罗争论绘画和雕塑谁更高级，因为雕塑更接近体力劳动，绘画更接近自由的心灵活动。18世纪“美的艺术”观念产生后，绘画和雕塑被一并归入高雅艺术行列，同时代的美学常用“灵感”“想象”等心灵活动解释其创作，但美术学院之外的工匠绘画、工匠雕塑仍被归入更低艺术等级。
为“美学”（Aesthetics）学科奠基的德国启蒙哲学家康德认为艺术家是不同于工匠的“天才”，工匠依规则生产，天才凭灵感创造，产生供后人摹仿的艺术典范。18世纪欧洲启蒙运动推崇古希腊哲学和艺术，古希腊哲学家亚里士多德主张从“技艺”（Techne/Craft）和**“摹仿**”（Mimesis/Imitation）的角度看待艺术，为西方古典文艺理论奠定基础，18世纪后期该理论逐渐让位于新生的美学理论。
亚里士多德认为史诗、戏剧、绘画、雕塑都是摹仿的技艺，悲剧用语言等摹仿神明和英雄行为，绘画、雕塑用颜料等物质媒介摹仿。从柏拉图到亚里士多德的“摹仿论”在很大程度上区分了礼仪性、表演性技艺与生产生活技艺，且都认为技艺需认识和掌握一定规律，柏拉图倾向于认为技艺中的认知是对“理式”（Idea）等神明知识的摹仿，亚里士多德则倾向于认为是在实践中摸索规律，摹仿论既从技艺角度看艺术，也从认知角度评价艺术。
“天才论”“灵感说”兴起于18世纪，流行于19世纪，与古典的“技艺说”“摹仿论”相反。灵感说可追溯到柏拉图，他觉得口传史诗与一般技艺不同，诵诗人如神灵附体。受此启发，柏拉图认为知识本源神秘，如“床”的“理式”独立于生活经验，世上各式床都是对其的片面摹仿，哲学家把握的“床”最高级，木匠制造的次之，画家描绘的更次。
亚里士多德是柏拉图的学生，他对知识的看法更朴素，将知识分为实践性和理论性，理论性知识从经验知识中总结提炼。人类各项技艺都是实践之知和经验之知，知其然但不一定知其所以然。近代，亚里士多德对实践之知和理论之知的区分演变为技术与科学、应用研究与基础研究的区分。手工技艺和身体技能依赖耳濡目染的经验，是经验之知；技术依赖抽象科学原理，基础科学取得突破，技术应用才能更大发展。前现代时期科学技术有一定发展，爆炸性发展在工业革命之后。
今天仍可从技艺角度看待艺术，绘画、雕塑创作需要“心手眼合一”的技艺，音乐、舞蹈、戏剧离不开长期身体训练，“台上一分钟，台下十年功”体现了熟练掌握一门艺术需长时间技能训练。但随着科学技术发展，不少艺术远离身体媒介。19世纪中叶照相机的发明使图像生产开始远离手工技艺，数码技术取代暗房技术后，人手从整个图像制作流程中解放出来。19世纪末电影摄影机的发明改变了现场演出方式，使“后期合成”成为塑造人物形象和故事情节的主要手段。20世纪60年代以来，以现代科技为基础的新媒体艺术（New Media Art）蓬勃发展，如录像艺术、计算机艺术、电子音乐等。如今，随着人工智能和大数据时代的到来，艺术的创作、生产、展演和传播日趋高科技化，同时人们也越来越意识到手工技艺、身体艺术的可贵性，在非物质文化遗产框架下加以保护和活化，使之与高科技时代的艺术并行发展。
古代文明史重要的物质遗存多来自庙堂的艺术，如古埃及金字塔、古希腊神庙、哥特式大教堂、中国商周时期青铜器、唐代宫廷绘画和佛教造像等，它们美轮美奂、富丽堂皇。庙堂的艺术也可称为礼仪的艺术，从马克思主义视角看，它们是统治阶级意识形态的物化呈现，同时也是劳动人民智慧的结晶。